Um exemplo que aplica com sucesso as regras de design:

Apple.com

• Projeto estético minimalista e clean

Os diálogos dentro do site da Apple estão sempre preocupados em exibir o mínimo de informações possível. Apenas quando o usuário solicita um conteúdo específico é que o sistema apresenta mais informações na tela. Se não, ele vê apenas o indispensável. Isso é essencial em um site que precisa valorizar o design dos produtos da empresa. Quanto menos informações na tela, mais atenção o usuário dá ao produto.

• Consistência e padrões

Os menus comportam-se sempre de forma similar. Dessa forma, o usuário consegue assimilar melhor o comportamento de um item do menu mesmo sem ter clicado nele. Situações similares possuem comportamento similar. Apesar de ser uma regra aparentemente simples, muitos sites esquecem a importância da consistência e da padronização.

• Mapeamento das possibilidades do sistema

O rodapé apresenta uma espécie de “mapa do site”, onde o usuário tem uma visão geral de tudo que é possível fazer ali dentro. Isso ajuda a garantir que o usuário tenha controle e rápido acesso aos principais links do site.

IDG Now

• Projeto estético minimalista e clean

O excesso de informações na página da notícia é uma tentativa do site de mostrar a quantidade de conteúdos e funcionalidades ali disponíveis. No entanto, isso pode acabar confundindo o usuário e deixando-o perdido em meio a tantas informações simultâneas. No exemplo acima, apenas 5% da área útil do site é usada para mostrar aquilo que o usuário está procurando: o conteúdo textual da matéria.

• Visibilidade do estado atual do sistema

Neste box de notícias mais lidas, é difícil visualizar qual aba está selecionada. A diferença de layout entre uma aba selecionada e uma aba não-selecionada é muito pequena, confundindo um usuário menos atento ou que utilize um monitor com menor contraste.

Velocidade de acesso
As duas páginas carregaram rapidamente. Como minha conexão é rápida se comparada à média nacional, observei o peso das homepages: 63KB para o Estadão e 84kb para A Tarde. Bons pesos. Não teria dificuldades em carregar os sites mesmo com uma conexão mais lenta.

Cores
Os dois portais, Estadão e A Tarde, mantêm o uso das cores durante toda a navegação, criando um bom padrão visual para os sites. No entanto, noto que o jornal A Tarde usa o azul excessivamente na homepage. O que deveria ser uma cor de apoio, acaba sendo a cor predominante em toda a página, muitas vezes cansando os olhos.

Texto
Os dois sites utilizam fonte de sistema em todo seu conteúdo, o que acaba deixando as páginas mais leves. O Estadão utiliza a fonte Trebuchet, enquanto A Tarde utiliza Tahoma. Os tipos utilizados no site são notadamente diferentes dos tipos utilizados no jornal impresso. Na interface digital o contexto de leitura é outro, e o conforto é essencial para tornar a leitura mais agradável, já que a luminosidade da tela pode cansar os olhos do leitor.

Legibilidade
Noto que os dois jornais possuem uma preocupação bastante visível quanto à legibilidade. O jornal A Tarde utiliza uma fonte um pouco mais escura que o Estadão, favorecendo a leitura. O contraste é um dos fatores mais importantes para tornar a leitura confortável, junto ao espaçamento entrelinhas, espaçamento entre parágrafos e a largura máxima das colunas de texto.

Aproveitamento da resolução
Os dois jornais utilizam a resolução 1024. Hoje a porcentagem de pessoas que utilizam a resolução 640×480, no Brasil, é próxima de zero. Mas os usuários que utilizam 800×600, sim, terão dificuldades em visualizar o conteúdo da última coluna da direita. Pensando nisso, ambos os jornais deixam essa coluna para o conteúdo menos importante da página.

Aproveitamento do espaço nobre
Os dois jornais utilizam a área nobre para posicionar o menu de navegação, as manchetes principais e, é claro, banners publicitários. Sabe-se que essa área é a que tem maior visibilidade, o que faz dela o espaço mais disputado na página.

Impressão
Os dois sites são imprimíveis e não há problemas de desconfiguração dos frames.

Armazenamento
Hoje em dia não é mais o site que disponibiliza a ferramenta de Adicionar a Favoritos, e sim o próprio browser, já que as pessoas se acostumaram a buscar essa funcionalidade dentro da interface do navegador. Mesmo assim, os dois sites puderam ser salvos e os títulos das páginas salvas eram suficientemente autoexplicativos.

Localização espacial e temporal
Novamente, hoje em dia não há mais a preocupação em mostrar a data, pois já é esperado de um portal de notícias do porte do Estadão e do A Tarde que contenham notícias atualizadas em tempo real. Quando à localização espacial, os dois jornais atendem bem a esse requisito: as notícias que não são nacionais ou globais, apresentam uma tagline que informa a localidade do acontecimento.

Facilidade de encontrar a informação
Os dois jornais possuem um menu bem dividido entre as editorias e uma ferramenta de busca eficiente.

Frequência de atualização
Os dois sites possuem uma boa frequência de atualização. Comparando com mais atenção, é possível ver que as notícias na home do Estadão trocam com mais frequência que as notícias do A Tarde, talvez pelo tamanho da equipe de jornalistas dedicada a atualizar o site.

Contato
O Estadão possui uma ferramenta de Fale Conosco disponível através de um link no rodapé do site, com uma lista bastante completa dos departamentos, e-mails e telefones de contato. Já o jornal A Tarde, talvez por ser um jornal de menor porte, apresenta diretamente os telefones no rodapé, sem reunir essas informações em uma página a parte. Além disso, no A Tarde há um link de Contato que abre um formulário para envio de mensagens diretamente pelo site, sem a necessidade de um servidor de e-mails.

Serviços prestados
A diferença fica nítida quando passamos a olhar para os serviços e não só para o conteúdo. O Estadão, apesar de possuir mais indicadores (trânsito, tempo, indicadores financeiros etc.), dedica menos espaço na homepage para esse tipo de informação. Já o jornal A Tarde utiliza uma área relativamente grande de sua página inicial para esse tipo de serviço.

Disponibilidade de notícias antigas
Os dois jornais possuem um bom arquivo de notícias. No entanto, a ferramenta de busca e de paginação do Estadão é um pouco mais completa, permitindo que eu navegue com mais facilidade entre conteúdos antigos.

Relacionamentos entre matérias
Os dois jornais possuem, na página da notícia, uma área dedicada a listar conteúdos relacionados àquele que está sendo visualizado no momento. A ferramenta é essencial para que eu entenda mais sobre um assunto com o qual não estou familiarizado.

Gerenciamento de erros
Nenhum dos jornais destaca essa ferramenta em sua página inicial. Imagino que isso ocorra pelo fato de que as matérias podem ser corrigidas em tempo real no meio digital, ao contrário do que acontece no meio impresso. O problema disso é que alguns usuários podem ler uma informação incorreta antes mesmo dela ser corrigida e depois nunca mais voltar ao site para verificar se houve alguma mudança.

Habilidade em cativar o público
Achei interessante que o jornal A Tarde possuía um grande destaque para o especial de Carnaval, um assunto bastante procurado nessa época do ano. Além disso, boxes com as notícias mais lidas, em ambos os jornais, garantem que serão apresentadas as notícias que possuem mais chances de serem clicadas pelo usuário.

Estratégias econômicas
Os dois jornais ganham dinheiro com a publicidade. No entanto, enquanto navegava no jornal A Tarde, pude observar alguns banners que falavam do próprio jornal. No meio publicitário chamamos esse tipo de anúncio de “Calhau”: na falta de anunciantes, exibe-se banners do próprio veículo, convidando novas empresas a anunciarem lá. O Estadão possui grandes anunciantes e muito mais espaço publicitário no decorrer da interface.

Interação 1 – clicar e arrastar um ícone do desktop

• Articulação: visualizar o ícone do arquivo que deseja ser arrastado.
• Comando: clicar com o mouse sobre o ícone, segurar o clique e arrastar o ícone.
• Apresentação: o ícone passa a acompanhar o ponteiro do mouse.
• Observação: o usuário percebe que o ícone está sendo movido.

Interação 2 – mover esse ícone para uma pasta

• Articulação: visualizar o ícone da pasta para qual deseja mover o ícone.
• Comando: arrastar o ícone até a pasta e soltar o clique do mouse.
• Apresentação: o ícone some e a pasta fica selecionada.
• Observação: usuário entende que o ícone não está mais no local de origem, e sim na pasta de destino.

Situação de uso:
Um usuário acabou de comprar o telefone e instalar alguns aplicativos, entre eles o aplicativo do Facebook, uma rede social que ele utiliza com bastante frequência. O problema é que a ordenação nativa dos ícones do iPhone é baseada na data de instalação: os primeiros aplicativos instalados ficam na primeira página, os últimos ficam na segunda, terceira etc., e o usuário pode mudar de página intuitivamente arrastando o dedo para a esquerda e para a direita. No entanto, o aplicativo do Facebook ficou na terceira página, e toda vez que o usuário deseja usar o aplicativo ele precisa mudar da página 1 para a página 2, e depois da página 2 para a página 3.

Como não há nenhuma indicação de que os ícones podem ser reordenados, o usuário se acostuma a percorrer esse longo caminho toda vez que deseja usar o aplicativo do Facebook.

Nesse caso, temos um problema de distância semântica no golfo de execução, segundo a metáfora dos golfos de Norman. O usuário sabe que seria melhor se ele pudesse reorganizar os aplicativos, mas não sabe se o sistema permite fazê-lo.

Depois de alguns dias o usuário fica sabendo que é possível, sim, reorganizar os aplicativos. Mas não sabe como executar essa tarefa. Ele tenta tocar um dos ícones e arrastá-lo para outro lugar, mas com isso acaba mudando entre uma página e outra de aplicativos.

Nesse caso temos um problema de distância articulatória no golfo de execução. O usuário sabe que a função existe, mas não sabe como ativá-la. Quando ele toca um ícone e tenta arrastá-lo, ocorre um problema de distância articulatória no golfo de avaliação. Isso porque ele pensa que assim estará arrastando o ícone, quando na verdade a resposta da interface do sistema mostra que ele apenas navegou entre as páginas.

Em um outro dia, enquanto usava o iPhone, o usuário tocou um aplicativo e deixou o dedo sobre ele mais tempo que o necessário para abri-lo. O sistema então ativou o modo de reorganização dos aplicativos: os ícones começam a tremer e a página exibe um X vermelho sobre cada um dos ícones. O usuário entende que agora ele pode apagar os ícones, pois normalmente o X vermelho é usado como indicador de “exclusão” em outras interfaces que ele utiliza o dia-a-dia.

Novamente, um problema no golfo de avaliação. O usuário não compreende o significado do feedback do sistema e acaba confundindo uma função (reorganizar) com outra (excluir).

A obra de arte e a reprodutibilidade técnica

Muito se fala das mudanças no conceito de obra de arte a partir do momento, em meados do século XX, em que ela passou a ser reproduzida em larga escala, através das diversas técnicas de reprodução que vieram a se tornar disponíveis em no decorrer dos anos. O advento da fotografia, da imprensa, do cinema, do rádio, da televisão e da internet permitiram que o objeto artístico não mais fosse visto apenas em museus, galerias de arte e locais públicos e controlados.

Hoje podemos, com uma simples busca no Google, encontrar centenas de versões de Monalisa, pintura de Leonardo da Vinci datada do Renascimento europeu. O mais curioso é que são tantas as versões, tamanhos e variações de cor e tema encontrados na internet, que um usuário desavisado tem dificuldades em saber qual dessas variações mais se aproxima da obra real. Até que ponto um quadro mantém sua autenticidade original a partir do momento em que é fotocopiado e reproduzido em diferentes mídias, locais e épocas diferentes?

Walter Benjamin denomina este atributo da autenticidade de “aura”, e defende que essa autenticidade é, de certa forma, perdida quando a obra é reproduzida. Segundo Benjamin, a autenticidade de uma obra se constitui principalmente no seu elemento ”do aqui e do agora”, ou seja, sua experiência individual, vivida somente por ela durante um contexto histórico, sociológico e cultural único.

“…o objeto reproduzido é uma obra de arte e a reprodução não o é , pois o desempenho do fotógrafo manejando sua objetiva tem tão pouco a ver com a arte como o de um maestro regendo uma orquestra sinfônica: na melhor das hipóteses é um desempenho artístico.”1

A partir da metade do século, os artistas começam a antecipar tendências relacionadas ao uso da tecnologia na produção e reprodução das obras. Segundo Julio Plaza:

“É a partir dos anos cinqüenta que se constituem, no campo da arte, tendências que traduzem e antecipam as mudanças produzidas pelas tecnologias.”2

“Na década de cinqüenta, Max Bense dá início à chamada Estética Gerativa como arte criada a partir de processos aleatórios, que se utilizam do computador para gerar imagens que são produtos das relações ordem/desordem de um dado repertório e simulam processos relacionados à criatividade, ao pensamento visual e também aos processos naturais de crescimento.”2

A partir de então, vemos a adoção gradual da tecnologia no objeto artístico, seja fazendo do uso da tecnologia uma arte em si mesma (a fotografia e o cinema passam a ser considerados arte, por exemplo), seja explorando os recursos possibilitados pelas novas tecnologias na criação da obra de arte (uso de fotografia para a criação de colagens e obras de arte reproduzidas em larga escala). Começam a aparecer as instalações artísticas interativas, onde o próprio espectador passa a influir no conteúdo ou na forma da obra. O nome espectador torna-se obsoleto, configurando um novo papel de interator para este tipo de obra.

É importante, no entanto, lembrar da diferença do conceito de interator para o de co-autor. O autor da obra continua sendo aquele concebe o produto artístico, enquanto o interator é aquele que influencia na forma como essa obra é exibida. Vicente Gosciola, em seu estudo “Roteiro para as Novas Mídias”, ajuda a entender essa diferença:

“É Janet Murray quem alerta para o emprego incorreto do conceito de interator, pelo qual alguns teóricos estendem a interpretação para co-autor, mas que, na verdade, o interator seria aquele que improvisa os caminhos determinados pelo autor e pelas obras das novas mídias.”3

As possibilidades técnicas então se ampliam e fazem surgir novos formatos de obra que até então nunca haviam sido usados no âmbito artístico. Segundo Plaza:

“O termo arte interativa expande-se no começo dos anos 90 com a aparição das tecnologias apropriadas, ligadas ao cabo telefônico, expostas em inúmeras feiras e exposições de arte, de tecnologia eletrônica (Faust, França; Imagina, Mônaco, Siggraph, EUA, entre muitas outras) e eventos relacionados ao videotexto, fax- slow scan e outros meios.”2

Para Jurgen Claus, a arte tecnológica permite uma nova etapa qualitativa na arte, comparável àquela da introdução da tela na pintura (no âmbito econômico, social e criativo).

A arte na internet
A evolução no uso da tecnologia e do conceito de interatividade na produção artística das últimas décadas culminou em uma categoria de obras de arte que passaram a ser concebidas, visitadas e reproduzidas dentro da própria internet, fazendo uso das possibilidades do meio para tornarem-se atrativas a seu público. Como afirma Julio Plaza:

“As primeiras obras efetuadas com o computador obedecem ao conceito de “arte permutacional” e são, na sua grande maioria, não-figurativas. Este conceito ou síntese teórica exposta por A. Moles no seu Manifesto da arte permutacional revela a noção de permutação poética, ou plástica, caracterizada pela consciência do jogo e de suas regras para a exploração do “campo dos possíveis”. Para Moles “A arte permutacional está inscrita qual marca de água na era tecnológica.”2

Ainda sobre este tipo de arte interativa:

“Pensar a arte interativa dentro do contexto das Novas Tecnologias da Comunicação, como uma nova categoria de arte, requer um mergulho na história recente, à vista da expansão das noções de arte, de criação e também de estética. Além disso, no decorrer deste século, verifica-se um deslocamento das funções instauradoras (a poética do artista) para as funções da sensibilidade receptora (estética), o que produz no meio artístico uma grande confusão conceitual caracterizada, ainda, pela mistura e hibridação de gêneros, poéticas e atitudes artísticas.”2

Uma das características mais marcantes deste tipo de obra é a possibilidade de intervenção dos interatores naquilo que é exposto aos sentidos. O advento da web 2.0 enquanto ferramenta de colaboração e popularização do conteúdo gerado pelos usuários serviu para acelerar e intensificar o surgimento de obras que já nascem com esse conceito colaborativo. Resgatando a origem da colaboração na obra de arte, Eduardo Kac escreve em seu artigo “Aspectos da estética das telecomunicações”:

“Duchamp já afirmara que “é o espectador que faz a obra” e, “a arte nada tem a ver com democracia”, o que indica uma preocupação com a recepção. Anteriormente, Isidore Ducasse, conde de Lautréamont escreveu: “a poesia deve ser feita por todos, não por um”. Para os simbolistas, o princípio estético da sugestão era fundamental. Mallarmé: “Nomear um objeto é suprimir três quartas partes do gozo de um poema”. E Paul Valéry: “Não há um verdadeiro sentido para um texto”. Para L. Ferrara1 “A participação do receptor – aviltada, desejada, repelida, solicitada, estimulada, exigida – é tônica que perpassa os manifestos da arte moderna em todos os seus momentos e caracteriza a necessidade de justificar a sua especificidade”.”4

O caráter hipertextual possibilitado pela internet (uso de hiperlinks em textos, imagens e vídeos) ajudou a multiplicar as possibilidades do conteúdo da obra, relacionando assuntos, elementos e formas que eram impossíveis no mundo físico. As obras passam a conter hiperlinks que são acionados pelos interatores, em uma infinidade de opções de navegação e exploração da arte, como afirma Plaza.

“Para Mikhail Bakhtin, a primeira condição da intertextualidade é que as obras se dêem por inacabadas, isto é, que permitam e peçam para ser prosseguidas. O inacabamento de princípio e a abertura dialógica são sinônimos.”2

“Em pleno cyberspace, todos somos produtores-consumidores; ou seja, está indo solenemente por água abaixo a velha e renitente distinção entre quem faz e quem frui. Na chamada “textualidade interativa”, o que é operativo é a poética da obra aberta em campo eletrônico digital. Para Risério, o que está em questão é todo o eixo autor-obra-receptor, não a dissolução do “autor”. O autor providencia o espaço, a cartografia, mas cabe ao usuário traçar o seu percurso. Nada autoriza a dizer (parodiando Mc-Luhan) que, assim como Gutemberg nos transformou a todos em leitores e a fotocopiadora nos converteu em editores, o computador pessoal está fazendo com que todos sejamos autores.”2

“Entretanto, para Popper, o termo “interatividade” como instrumento de criação artística, em um contexto estético, pode ser aplicado tanto às relações entre artista e obra como relativo à realização, ou mesmo à relação entre obra acabada e espectador, já que as intenções estéticas do artista são inseparáveis de uma consciência clara dos processos técnicos utilizados.”2

O artista passa a se apropriar da tecnologia ao propor novas estéticas para a obra, usando materiais que fogem do mundo real e passam a pertencer ao mundo dos símbolos construídos pela informática. Segundo Plaza:

“Francis Heylighen desenvolve o conceito de hipermídia “distribuída” como síntese de três fatores: o documento é marcado por referências cruzadas, os hotlinks; a informação do documento pode advir de qualquer mídia; e acrescenta a distributividade, já que esse documento pode estar em várias partes do mundo.”2

Muito se questionou (e questiona) do valor artístico desse tipo de obra enraizada nos meios interativos. A ruptura do padrão de obra de arte que se tinha até então foi tão grande e acelerado, que o próprio pensamento humano sofre ranhuras ao tentar se adequar à revolução tecnológica da obra de arte. Ainda segundo Plaza:

“As relações entre arte e tecnologia, com seu caráter progressivo, aceleram-se com as novas configurações computacionais, mas é na exposição “Cybernetic Serendipity” (Londres, 1968), organizada por Max Bense e Jasia Reichardt, que se expõem, pela primeira vez, obras criadas com a ajuda do computador e onde se abre a polêmica: “pode o computador criar obras de arte?”; as “obras criadas com a ajuda da informática possuem um valor estético?”.”2

Exemplos de obra interativas e análise
Seguem três exemplos de obras de arte criadas para a internet e que possuem características bastante diferentes quando à forma de utilização dos atributos interativos do meio.

A primeira delas é o trabalho fotográfico We Are All Gonna Die, criado pelo fotógrafo Simon Hoegsberg e publicado em seu site: http://www.simonhoegsberg.com/we_are_all_gonna_die/slider.html.

A obra contém uma grande fotografia, e sua interface, criada para browsers de internet, permite que o usuário percorra toda a envergadura da foto e atente aos detalhes de cada um dos personagens fotografados. É interessante pensar que essa mesma obra poderia ter sido impressa em um grande painel físico e que, ao invés de arrastarem a barra de rolagem do site, os visitantes poderiam andar pelo espaço para ver com atenção os detalhes de cada área da foto. Mas a própria concepção da obra já tem em vista os atributos do ambiente digital e a possibilidade de interação dos visitantes da obra. Observo aqui alguns fatores importantes da obra:

- Experiência personalizada: cada usuário que visita o site é livre para ver o detalhe da foto que mais lhe interessa, pelo tempo que ele acha necessário.

- Reprodutibilidade: a obra é reproduzida cada vez que um usuário acessa o site. Os dados são então transferidos via internet para a máquina do usuário e exibidas no navegador.

- Abrangência geográfica: a obra pode ser acessada de qualquer lugar do mundo onde haja um computador com browser compatível com os protocolos http.

A segunda obra escolhida é a interface musical Tone Matrix, que pode ser vista no seguinte endereço: http://lab.andre-michelle.com/tonematrix

Trata-se de uma interface quadriculada que gera diferentes sons à medida em que pontos luminosos brancos são posicionados no grid com o clique do mouse. A escala horizontal do quadro representa o tempo musical, enquanto a escala vertical representa o timbre reproduzido. Novas características podem ser observadas nesta obra:

- Intervenção do interator na obra: a obra foi concebida com o único propósito das pessoas interagirem com ela. Sem interação, a obra não chega às vias de existir.

- Múltiplas possibilidades: cada usuário pode criar a combinação de pontos luminosos que mais lhe agrada ou desagrada, e testar variações desse grid com mais alguns cliques.

- Sinestesia: o visual da obra equivale ao produto sonoro emitido por ela. Essa associação cognitiva entre som e imagem é um dos pontos fortes da obra de arte criada para a internet.

A terceira e última obra analisada é a Stripes, experimento visual que pode ser visto no seguinte endereço: http://blogoscoped.com/files/stripes.html

Nela, o usuário arrasta linhas verticais paralelas sobre um desenho até então abstrato sobre uma tela branca. À medida em que as linhas são arrastadas horizontalmente, uma animação de uma onça correndo pode ser vista na tela do navegador. Trata-se de uma ilusão de ótica simples, já experimentada por outros artistas no mundo físico, mas agora transportada para o mundo virtual e para a internet. Pontos a serem observados:

- Controle sobre a obra: a velocidade com que o animal se movimenta na tela depende diretamente da velocidade em que o mouse é movido pela superfície virtual da tela branca. O usuário tem o controle dessa velocidade, e mesmo do momento de início e de término da experiência.

- Ilusão de ótica: recurso muito experimentado em outros meios, a ilusão de ótica fascina por surpreender o usuário no momento em que o fenômeno é atingido. A internet trouxe novos experimentos desse tipo, inclusive alguns só possíveis pela existência de pixels luminosos característicos da tela do computador.

“Desta maneira uma nova possibilidade de atuação dos usuários é desencadeada por uma estética resultante da sinergia de elementos não formais, tais como a coexistência em espaços virtuais e reais, sincronicidade de ações, controle remoto em tempo real, operação de telerobôs e observação remota, de forma colaborativa através da rede.”5

Considerações finais
Este artigo trata de um estudo não-conclusivo sobre a experimentação da obra de arte no navegador. É possível, no entanto, observar a existência de algumas características muito específicas deste meio na concepção e reprodução da obra de arte.

Vemos cada vez mais manifestações artísticas sendo publicadas na web e precisamos, de tempos em tempos, resgatar um pouco da história da arte e das origens da produção artística para que possamos destacar as características mais visíveis desse tipo de arte.

Referências bibliográficas

Citadas:
1. Fichamento sobre BENJAMIN, Walter. A obra de arte na época de sua reprodutibilidade técnica.
2. PLAZA, Julio. Arte e interatividade: autor-obra-recepção.
3. GOSCIOLA, Vicente. Roteiro para as novas mídias.
4. KAC, Eduardo. Aspectos da estética das telecomunicações.
5. DONATI, Luisa Paraguai e PRADO, Gilbertto. Utilizações artísticas de imagens em direto
zações artísticas de imagens em direto na world wide web.

Não-citada:
ARANTES, Priscila. Arte e mídia no Brasil: perspectivas da estética digital.

Howart Rheingold cita muito o ciberespaço como um espaço para reconstruir os espaços comunitários do mundo físico. Também imagino que ele não venha para substituir esses espaços, mas sim para recriá-los em uma nova linguagem. Nessa nova linguagem, as comunidades se utilizam da emoção humana e da interação entre os participantes para alterar o Eu de cada um deles.

Steven Johnson conceitua essas comunidades como agrupamentos “bottom-up”, onde os participantes interagem, criam comunidades, se agrupam e ditam como serão utilizadas as regras previstas pelo software. Compara a uma rede neural, onde os neurônios não funcionam sozinhos, mas sim dependem dos outros neurônios com os quais estão conectados. Nessa mesma linha, Lévy afirma que o ciberespaço se constrói através de uma universalidade que não possui uma organização central, mas sim um sistema de desordem. Para ele é a essência paradoxal da cibercultura.

Apesar da quase inexistência do top-down no sentido de regulamentação das regras interpessoais nesse ciberespaço, Johnson reforça que a interface está tão próxima do subconsciente humano que acaba por modificá-lo. Em um dos textos que encontrei, Johnson cita o exemplo dos programas de televisão e jogos de videogame que, por estarem cada vez mais complexos, acabam tornando os espectadores/jogadores mais inteligentes. Vejo que isso seja uma evolução natural da espécie, e fico fascinado em pensar que a inteligência da espécie evolui de forma coletiva. Isso me fez lembrar que meus pais desistiram de acompanhar Lost porque acharam o roteiro “complicado demais” para eles.

Sobre essa inteligência que evolui coletivamente, Lévy diz que o que vemos é a própria cultura se transformando com o advento da internet, e não uma cultura se formando à parte do resto do mundo. Ele conceitua a inteligência coletiva como a soma das inteligências semelhantes que, pela troca, constituem uma inteligência maior que varia conforme a cultura local e a época. Lembrei-me de James Surowiecki em A Sabedoria das Multidões, defendendo que a inteligência universal formada pela soma das inteligências individuais dos participantes das comunidades (não só virtuais) é mais poderosa que a melhor das inteligências quando analisada individualmente.

Identifico-me mais com as palavras de Lévy, principalmente quando prega a construção de uma linguagem universal construída a partir do uso que se faz do ciberespaço. Sua teoria está muito ligada à web semântica, o que acredito ser o próximo grande desafio dos sistemas web. A universalização da linguagem de programação mantendo-se as particularidades de cada idioma e cultura é um desafio bastante grandioso e dialoga fortemente com a noção de ausência de barreiras geográficas promovida pelo ciberespaço.”Não havendo mais territórios na superfície do planeta para conquistar, cria-se um novo espaço para fazê-lo”, afirma. Penso que, vencido o desafio da Globalização, estamos caminhando para uma Universalização da cultura e do espaço. Fico intrigado em pensar como as particularidades culturais de cada região serão mantidas nas próximas décadas, já que o conteúdo está fragmentado por esse novo espaço.

JOHNSON, Steven. Cultura da interface: como o computador transforma nossa maneira de criar e comunicar. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 2001.
LÉVY, Pierre.Cibercultura. 2. ed. São Paulo: 34, 1999
RHEINGOLD, Howard. Smart Mobs: the next social revolution. Cambridge: Perseus Books Group, 2003.

http://www.cibercultura.org.br/tikiwiki/tiki-read_article.php?articleId=44

http://www.citi.pt/homepages/espaco/html/comunidade_virtual.html

http://www.scielo.br/scielo.php?pid=S0100-19652008000200008&script=sci_arttext&tlng=pt

Tanta popularidade e facilidade de transmissão ocasionou problemas legais em relação à pirataria deste tipo de arquivo pela internet (e fora dela também). Hoje é comum baixarmos novos álbuns musicais gratuitamente pela web no mesmo dia em que são lançados em outros países. Por mais que existam leis que tentam regularizar a situação da troca de MP3 (e outros formatos de vídeo e áudio), elas ainda parecem não serem adequadas à nova realidade da web.

O problema tem origem desde os primórdios da internet, onde programas de P2P (como o antigo Napster, fechado após ações judiciais das gravadoras prejudicadsa pela queda de vendas) e sites de torrent (facilmente encontráveis no google) facilitaram a troca de arquivos pelos usuários.

O futuro do mercado fonográfico ainda é incerto, pois muitos artistas ainda não encontraram um modelo de negócios que fuja das porcentagens abusivas cobradas pelas gravadoras ou da excessiva pirataria praticada na rede. Alguns desses artistas já vêm realizando novas estratégias para o lançamento de seus trabalhos. A banda Radiohead, por exemplo, lançou seu álbum In Rainbows disponibilizando os arquivos para download na internet e pedindo aos usuários que pagassem o quanto achavam justo por aquelas músicas; outro exemplo é o de Marcelo Camelo, cantor brasileiro que disponibilizou as novas faixas de seu álbum Nós gratuitamente em seu site, um MP3 por dia. A praticidade do formato MP3 permite ainda que os artistas lancem suas faixas isoladamente, desmistificando o formato “álbum” existente até então. Esse formato era baseado na quantidade de faixas CDA que cabiam em um Compact Disc convencional de 700MB.

Novos formatos de arquivos de áudio estão sendo estudados para um futuro próximo. Concorrentes do MP3 como o AAC e o MT9 trazem novas possibilidades para o usuário (o primeiro possui maior qualidade de som, o segundo permite que os usuários regulem em seu próprio aparelho os canais de áudio, individualmente). Há ainda um problema de compatibilidade, já que os aparelhos existentes hoje e largamente difundidos pela população são focados na reprodução de MP3, WMA e outros formatos mais populares. A Apple Store, maior loja virtual de músicas do mundo, anexa aos arquivos MP3 também a letra da música e a capa do álbum de origem.

O fato é que, dada a alta penetração da música digital pela população (hoje aparelhos reprodutores de MP3 são vendidos a 50 reais no mercado informal) é um grande empecilho para a mudança no formato. Qualquer mudança deve ter em vista não apenas o interesse dos usuários, mas também o dos artistas, gravadoras e lojas virtuais já instauradas por todo o mundo.

Necessidade de visualização. Um objeto modelado em 3D permite infinitos ângulos de visualização diferentes, e isso pode ser vantajoso em dois casos: tanto para a equipe de desenvolvimento (na modelagem de um rafe ou wireframe de objeto) quanto para o usuário final do sistema interativo (no caso da agência, normalmente um site). No primeiro caso, tenho um exemplo recente: optamos por fazer os rafes de um estande interativo utilizando modelagem 3D. Isso permitiu que toda a equipe envolvida (e inclusive a empresa responsável pela produção do estande) pudesse passear virtualmente pelo estande antes mesmo dele começar a ser desenvolvido fisicamente. No segundo caso, também outro case recente: optamos por utilizar modelagem 3D no projeto de um lançamento de carro, para que o usuário pudesse manipulá-lo no site e conseguisse vê-lo de diversos ângulos diferentes, já que nesse caso o design do carro importava mais que seus features técnicos. Para isso, tivemos de usar um plugin para que o modelo 3D pudesse rodar em qualquer browser de internet.

Tempo hábil de produção. Aqui aproveito para citar uma desvantagem recorrente da modelagem 3D: normalmente ela demora mais tempo para ser executada do que o tratamento fotográfico. Em um dos projetos realizados na agência, tivemos que optar pelo tratamento fotográfico pois dispúnhamos de poucas horas/homem para a tarefa.

Padronização e total controle da linguagem visual da imagem. Já que estou citando exemplos de carros, aqui vai mais um. Nesse site, optamos por utilizar carros modelados em 3D para que todos os carros disponíveis (ou quase todos) utilizassem a mesma linguagem visual. Isso porque na modelagem 3D a equipe tem total controle sobre padronização de texturas, ângulo da imagem, iluminação e tratamento de cores – algo que é mais difícil acontecer em ensaios fotográficos, já que esse processo exige uma estrutura física mais robusta e mais cara.

Interatividade e linguagem de game. Em alguns projetos onde a interatividade é o principal argumento, entregar o controle do objeto ao usuário é um diferencial bastante relevante para a experiência final. Neste projeto, modelamos o objeto em 3D para que o usuário pudesse controlar o carro e passear com ele pelo cenário virtual que criamos. Utilizamos uma qualidade inferior de renderização de texturas e um menor número de polígonos para que o site não ficasse pesado ou mesmo travasse em máquinas de configuração inferior.

Um exemplo de cenário modelado em 3D:

Processos utilizados

• Para os tubos de plástico vermelhos: criação de cilindros, aplicação de textura opaca, colorização vermelha, com pouco reflexo de luz.
• Para a mesa metálica: criação de dois cilindros sobrepostos e redimensionados, centralização do cilindro-base no tampo da mesa, aplicação de textura aluminizada (com alto reflexo e brilho), colorização cinza.
• Para a bola de plástico: criação de uma esfera, aplicação de textura plástica azul reaproveitada da vermelha, posicionamento sob a mesa.
• Para as paredes: criação de dois cubos, redimensionamento, posicionamento no cenário, aplicação de textura a partir de imagem, colorização vermelha.
• Para a iluminação: criação de 4 spots de luz, configuração da luz, posicionamento dos spots, alteração da angulação dos spots e controle de intensidade.
• Para a câmera: reposicionamento da câmera, aproximação da câmera dos objetos.
• Para a renderização: modificação no tamanho da imagem gerada.

É interessante perceber como a internet evolui em ondas, e como os próprios desenvolvedores se apóiam nelas para nortear o próximo passo no processo evolutivo. Lemos na aula sobre web2.0 e como o usuário passou de “consumidor” para “produtor” de conteúdo com a implementação de pequenas funcionalidades nos sites que surgiram a partir de 2004 (YouTube, Flickr, Orkut). Lembro-me que, na época, os desenvolvedores ficavam inseguros se as pessoas realmente enviariam conteúdo para esses sites, dado o baixo índice de participação da época. Poucos anos depois, já nos vemos em um cenário onde esse conteúdo gerado pelos usuários é tão volumoso e sua organização tão caótica, que sofremos o que especialistas chamam de infobesidade. Esses dias assisti a uma palestra do Michel Lent, da agência Ogilvy, onde ele tratava justamente desse excesso de informações e de como os filtros já se tornaram indispensáveis para o consumo saudável desse conteúdo (slides da palestra disponíveis aqui: http://www.viuisso.com.br/2009/11/07/a-info-obesidade-os-atuais-desafios-da-publicidade/)

Passada a onda da web 2.0, vemos a internet caminhando para o que chamamos de web 3.0. É perigoso dizer que a web 2.0 passou, existiu ou aconteceu em determinado período de tempo. Isso porque web 2.0 é mais uma forma de pensar a web do que um reflexo na interface dos ambientes interativos. E essa forma de pensar nunca vai passar ou ser deixada para trás, e sim complementada por novos modelos mentais e novas tendências de uso. O próprio termo “web 2.0”, como afirma Luli Radfahrer, foi apenas um verbete comercial que as empresas aproveitaram para se mostrarem antenadas e por dentro das tendências. A web 3.0, por sua vez, é uma tentativa de organização semântica desse conteúdo, de forma que o próprio software navegador entenda do que trata aquele conteúdo. Pierre Levy é um dos grandes entusiastas da aplicação dessa linguagem e implementação do que ele chama de “web semântica”. Essa nova linguagem de programação semântica permite novas formas de interação na internet. A partir do momento em que o sistema “entende” do que trata cada bloco de informações, é possível economizar várias etapas na interação entre o usuário e o sistema.

Mais algumas tendências:

• Portabilidade: a internet sendo acessada de diferentes gadgets, utensílios domésticos, aparelhos celulares, leitores de e-books etc.
• Inclusão digital: aumenta o número de pessoas que tem acesso a internet e diminui a escolaridade média e o letramento digital médio desse público.
• Veículos de meios tradicionais migrando para a web e fazendo dela seu principal canal de comunicação. (exemplo do jornal O Globo: http://www.youtube.com/watch?v=b_VvYkNf1ZU)

E um ponto importante, colocado pela Luciana sobre a palestra que ela assistiu de Maffesoli e Lemos, de que não basta tentar transportar o conteúdo de outros meios para a web (“esperando que as pessoas comecem a assistir Faustão pelo celular”). O importante é que o conteúdo e as interações sejam PENSADAS para a web. Vemos exemplos como o Twitter e outras redes sociais que já foram startadas sob um “raciocínio web”, e não simplesmente replicando metáforas do mundo real. Dentre os desafios para os próximos anos, acredito que esse seja o principal: desacostumar o raciocínio dos meios os quais estamos viciados.

Vejo diferentes formas de conceituar Interatividade, já que semanticamente ela pode assumir diferentes significados.

- Enquanto atividade humana
Trata de um repensar na forma de comunicação. Gosto da definição de Downes e McMillan, que listam 5 dimensões para a interatividade: 1. Direção da comunicação; 2. Flexibilidade do sincronismo; 3. Senso de lugar; 4. Nível de controle; 5. Responsividade e percepção do propósito da comunicação. Pensando dessa forma, “interatividade” pode ser aplicada a situações bem distantes dos meios digitais.

- Enquanto característica específica dos meios digitais
Segundo Jensen, interatividade é“uma medida do potencial de habilidade de uma mídia permitir que o usuário exerça influência sobre o conteúdo ou a forma da comunicação mediada.”

- Enquanto produção artística
É a transição do conceito de “espectador” para “interator”, quando o indivíduo passa a interagir com a obra de arte e provocar mudanças nela. Segundo Marchand, “emissor, mensagem e receptor mudam respectivamente de papel, de natureza e de status”.

Penso que essa divergência dos 1024 bytes seja um grande problema de usabilidade na engenharia que permeava esses sistemas digitais na ocasião de seu desenvolvimento, problema esse sintomático de uma época em que as limitações técnicas impeliam formas mais simples de cálculo (a questão da quantidade de caracteres usados para representar as medidas) e em que o pensamento dos engenheiros era mais voltado para o desenvolvimento do sistema do que para a pessoa que o utilizaria.

Esse hiato não é tão prejudicial à medida que vemos cada vez mais pessoas entendendo e utilizando essa linguagem no dia-a-dia e cada vez mais marcas encontrando novas formas de simplificá-la ao usuário final. Quando vemos os novos iMacs com 2TB de memória ROM, não pensamos em quantas vezes os 24 bytes são “omitidos” a cada milhar convertido no cálculo. Vejo que a tendência é de caminharmos para a padronização dessas unidades de medida ou, quando inviável, para o uso de poderosas e rápidas ferramentas de conversão (como no caso da milha e do quilômetro, dos pounds e dos quilogramas, dos centímetros e polegadas).

Outro exemplo? Os próprios Kbps oferecidos pelas operadoras de banda larga. Compramos conexões de 6Mpbs ou de 12Mpbs sem perceber que estamos tratando de bits, e não de bytes (a unidade que usamos para calcular a memória).

“O algodão e o petróleo, como o rádio e a televisão, tornam-se ‘tributos fixos’ para a inteira vida da comunidade”.

Quanto à afirmação de McLuhan, julgo-a irrefutável. Imagino que se tivesse sido escrita nos dias de hoje, incluiriam a internet e o celular dentro do pequeno rol de tributos citados.

Quando McLuhan cita “tributos fixos”, imagino que esteja incluindo os meios de comunicação dentro da lista de obrigações de um indivíduo que deseja viver em sociedade. É o preço que temos que pagar por (e para) viver em uma sociedade pós-globalizada, onde o acesso à informação permeia o fortalecimento de laços afetivos, profissionais, culturais e sociais de um cidadão.

O rádio e a televisão (e o celular, e a internet) são meios cada vez mais intrínsecos na vida contemporânea em sociedade. Tanto que servem não só como veículo, mas também como fonte e combustível para as informações que vemos e ajudamos a circular diariamente. O excesso de informações e a velocidade na qual elas trafegam é tão grande e tão superior às barreiras geográficas que somente um meio definitivamente global como a internet se faz suficientemente forte e ágil para suportá-las.

Quantas vezes não nos sentimos deslocados quando ouvimos um assunto entre um grupo de amigos e não sabemos do que se trata? Em um tempo onde tudo está disponível a todos – salvas devidas proporções de exclusão digital e de acesso a informações específicas -, sentimo-nos impotentes quando vemos um assunto que está fora de nosso alcance. E isso influencia, como dito antes, a própria relação entre as pessoas. É mais difícil estabelecer uma conversa com alguém que não tem esse acesso do que com alguém que acompanha esse fluxo volumoso de informação.

No âmbito profissional, quando falamos de capital intelectual, vemos nitidamente que os profissionais mais bem informados são os profissionais mais bem reconhecidos, pagos e visados desse novo cenário. Se queremos mostrarmo-nos bem informados à sociedade e competitivos ao mercado, precisamos ter acesso e saber lidar com essa nova realidade da informação – inclusive selecionando, filtrando e compartilhando as informações às que temos acesso.

Os bens intelectuais (providos pelo rádio, internet e outros meios) serem tão importantes quanto os bens essenciais (como o petróleo e o algodão) é sintomático de uma sociedade transformada. Transformada por um sistema tecnológico tão eficiente e dinâmico que pode, para o bem e para o mal, julgar pessoas e modificar comportamentos a ponto de criar uma “nova lei de seleção natural” entre seus membros.

Personagens
Eugênio Diggio, sociólogo graduado pela Unicamp e mestre em Comunicação e Semiótica pela Universidade de Harvard (Faculty of Arts and Sciences), é quem faz a interface entre o GTDI (Grupo de Treinamento de Detetives Interativos, nome dado ao grupo de sociólogos) e os possíveis candidatos à vaga de detetive internacional. É ele quem administra a publicação de conteúdo nos diferentes sites que serão utilizados ao longo do jogo.
Outros participantes do GTDI: Maria Clara Siqueira, Eduardo Ribas e Dionísio Brandão. Eles possuem menor contato com os usuários, servindo apenas como argumentadores para as discussões teóricas que acontecerão em cada ambiente.

Referência Visual
Durante o jogo, serão criados vários ambientes virtuais diferentes para receber os participantes. É importante que todos esses ambientes (em especial o Blog e o Twitter) possuam uma identidade visual muito similar, para garantir que o participante perceba a ligação entre eles, inclusive com a criação de um logotipo para o GTDI.
Uma boa refência visual é o próprio site do FBI: http://www.fbi.gov/. Ele possui um layout sóbrio, sério, e um logo que lembra um brasão policial, com forte associação à bandeira estadosunidense. É importante, no caso do GTDI, que haja alguma associação também com a bandeira brasileira, já que se trata de um braço do FBI atuando no Brasil.

Etapa 1 – Blog do GTDI

Abaixo alguns textos que deverão ser criados para o Blog do GTDI, dividos em dois grupos:
1. Informações ao visitante
2. Posts
O primeiro grupo aparece na coluna lateral do Blog, e dá um breve panorama do que é o FBI, o que é o GTDI e como funcionará o desafio. O texto deve ser escrito por um redator profissional que tenha habilidade em escrever histórias policiais de ficção. Sugere-se que o texto dessa coluna lateral seja dividido em três blocos:
1.1. Sobre o FBI – texto dá um breve resumo sobre o FBI, sua atuação nos Estados Unidos e em todo o mundo, e sobre a necessidade de contratar novos detetives que tenham familiaridade com redes sociais. A wikipedia (http://en.wikipedia.org/wiki/Federal_Bureau_of_Investigation), o site do FBI (http://www.fbi.gov/) e o capítulo de Employment do site do FBI (http://www.fbi.gov/employment/employ.htm) são boas referências para o redator.
1.2. Sobre o GTDI – texto apresenta o Grupo de Treinamento de Detetives Interativos, sua origem na polícia americana e sua recente empreitada em recrutar brasileiros com experiência em redes sociais.
1.3. Sobre o desafio – texto instrui os participantes do desenvolvimento da experiência interativa que está se iniciando ali no blog. Explica que a participação é livre e que no final do caminho o usuário descobrirá o e-mail do recrutador do FBI e que, a partir de então, as negociações e entrevistas devem ser combinadas através desse e-mail.

2. Posts
O conteúdo do blog será concentrado nos posts. Existem três posts essenciais que devem ser publicados em nome de Eugênio Diggio, mas novos posts podem ser criados a critério do redator, contando sobre a rotina do GTDI, estudos que são realizados lá, discussões teóricas e estatísticas sobre o comportamento das pessoas nas redes sociais virtuais.
2.1. Post 1: Apresentação de Eugênio
No post inaugural do blog, Eugênio dá as boas-vindas ao participante e explica como funciona o GTDI, citando o nome dos outros participantes, seus mini-currículos e principais projetos e estudos realizados por cada um. Explica ainda que terão um grande desafio pela frente, em encontrar alguém que se encaixe no perfil procurado pelo FBI. É importante que o tom do texto seja convidativo, mas ao mesmo tempo sério, rebuscado e profissional, hajam vistas as características do personagem.
2.2. Post 2: Reflexões sobre redes sociais
No segundo post, Eugênio convida os usuários a refletirem sobre o rápido crescimento das redes sociais e sobre o uso que as pessoas têm feito dela. Questiona como seria possível utilizar essas redes como ferramentas de espionagem e transmissão de informações secretas entre grupos criminosos organizados. No fim, indica alguns artigos para leitura e reflexão. É importante que um dos links indicados seja o link de uma busca no Google pelo nome de um autor, e que nesses resultados de busca apareça um link patrocinado (comprado pelo GTDI) com uma dica para o endereço do Flickr.
2.3. Post 3: Iniciado o desafio
No último post, Eugênio anuncia que o desafio já foi iniciado, e que os usuários devem encontrar uma galeria de fotos no Flickr com base no que leram no Post 2. Ele explica que os participantes podem – e devem – utilizar as ferramentas disponíveis online para encontrar esse perfil.

Etapa 2 – Link Patrocinado

Sobre o Link Patrocinado, ele deve conter de forma enigmática o nome de usuário da conta do Flickr onde as fotos foram postadas. Sugere-se uma sequência de letras e números que o usuário não tente digitar naturalmente no browser ou em uma busca comum. Ex: 8j2049a4d. O título desse Link Patrocinado deve ser “Looking for something unusual?”.

Etapa 3 – Flickr do GTDI

No álbum do Flickr devem ser publicadas 12 fotos que conterão, cada uma delas, uma letra ou número escondido em sua composição. A união desses 12 caracteres + 1 caractere especial serão o nome de usuário do Twitter do GTDI. Esse último caractere especial pode ser encontrado no código-fonte do Blog do GTDI, em uma mensagem escrita pelo desenvolvedor HTML do blog.

A galeria do Flickr deve parecer ter sido criada por um usuário comum, com fotos de lugares, pessoas e objetos sem preocupação estética ou de qualidade de imagem. Mas cada foto deve possuir um caractere escondido (seja um “A” pixado na parede de fundo da foto, seja um “L” formado por dois canudinhos que estão sobre uma mesa etc.).

Etapa 4 – Twitter do GTDI

A conta do Twitter do GTDI não deve conter em nenhum momento a palavra GTDI, para que ele não possa ser encontrado na ferramenta de busca do site. A URL deve ser formada pelos caracteres encontrados no Flickr e os tweets devem informar a mensagem secreta que levará o participante ao primeiro vídeo no YouTube, que dará prosseguimento à narrativa.

São 9 tweets no total. Cada tweet conterá o nome de um roteirista famoso, como Frank Miller ou Alan Moore, e um link para seu respectivo profile no site IMDB.com (Internet Movie Data Base). Lá, cada roteirista possui uma URL composta pelas letras NM e por uma sequência de números (exemplo: http://www.imdb.com/name/nm0588341/). A soma de todos esses números, de todos os roteiristas, dará origem a um número de 3 dígitos, que será o título do primeiro vídeo do GTDI publicado no YouTube.

Etapa 5 – YouTube

Vídeo 1
O primeiro vídeo traz a leitura de um artigo de Eugênio Diggio sobre cibercultura, com duração aproximada de 2 minutos. Não há nenhum cenário específico, apenas um ambiente com pouca luz e a câmera ligada na frente de Eugênio, que lê o texto enquanto olha para o espectador. No meio do texto, Eugênio cita alguns autores-referência sobre o assunto, sendo que entre eles há um nome que não existe. Buscando por esse nome no YouTube, o participante encontrará o segundo vídeo.

Vídeo 2
O segundo vídeo traz uma imagem estática de um vitral de alguma capela católica renascentista. A imagem permanece estática até o fim do vídeo (cerca de 2 minutos), mas a partir da metade do vídeo, cada pedaço de vidro do mosaico se transforma em um link para algum outro vídeo diferente. Os links levam a memes famosos do YouTube, mas apenas um deles leva ao vídeo 3. A ideia é testar a paciência do participante em clicar em cada um dos links até descobrir o vídeo final.

Vídeo 3
Nesse vídeo Eugênio Diggio aparece novamente, dessa vez em um ambiente mais claro, sentado à mesa de sua biblioteca particular. Ele parabeniza os participantes que chegaram até aquele vídeo e agradece a todos pela experiência interativa que tiveram. No fim, Eugênio informa que o participante deve mandar um e-mail para um endereço de e-mail de algum membro do FBI americano e aguardar o retorno para que o processo seletivo prossiga nos métodos mais convencionais.

Lista de Tarefas
Abaixo a lista de tarefas que deverão ser realizadas para a preparação do ambiente digital onde acontecerá o desafio. O jogo se desenvolverá na web, através de plataformas gratuitas de publicação de conteúdo.
- Criação de uma conta no WordPress, em nome do GTDI.
- Criação de um blog, chamado Blog do GTDI.
- Criação de um logotipo para o GTDI.
- Redação dos textos de apoio do blog: “Sobre o FBI”, “Sobre o GTDI”, “Sobre o desafio”.
- Redação dos 3 posts do blog.
- Criação de um e-mail do GTDI.
- Criação de uma conta no Google AdWords.
- Compra de um link patrocinado.
- Redação do texto desse link patrocinado.
- Criação de uma conta no Twitter.
- Customização do perfil do Twitter do GTDI.
- Redação e publicação dos microposts com as dicas no Twitter do GTDI.
- Criação de uma conta no Flickr.
- Busca de fotos para publicação.
- Edição gráfica das fotos no Photoshop, para inserção das pistas.
- Publicação das fotos no Flickr.
- Criação de 3 contas no YouTube.
- Gravação dos 3 vídeos.
- Publicação e tagueamento dos vídeos no YouTube.
- Criação de links entre os vídeos.

Possíveis problemas
- É possível que as pessoas encontrem o conteúdo fora de ordem, enquanto navegam pelas redes sociais. Para garantir que isso aconteça, é preciso tomar algumas medidas importantes: não-tagueamento dos conteúdos e nomes dos arquivos com palavras como “FBI”, “GTDI”, ou que denuncie o vínculo do conteúdo com o jogo interativo; escolha de URLs não-amigáveis no momento de criação dos perfis no Twitter, Flickr e YouTube; garantir que determinado vídeo do YouTube não apareça na área de “Vídeos Relacionados” de um outro vídeo.

- As fotos que serão publicadas deverão possuir direitos livres de imagem e possibilidade de edição através de licenças Creative Commons.

- É possível que as ferramentas utilizadas para a publicação dos conteúdos apresentem instabilidade. Como o jogo é atemporal, sem um timing preciso de participação, não há qualquer implicação dos possíveis atrasos e falhas nesses sites.

Processos cognitivos
Os participantes dessa “nova era” já são treinados desde cedo a interagirem com dispositivos digitais. O próprio desenvolvimento desses dispositivos, plataformas, softwares e websites já são pensados (na maioria das vezes) para “falarem a mesma língua”, reduzindo o ruído cognitivo que um cenário multi-plataformas poderia causar. Gostei do exemplo da Christine ao citar os emoticons e provar que mesmo a Linguagem está sendo digitalizada.

Imersão dos sentidos
O prefixo de ordem é “multi”. Além do cenário ser multi-plataformas, multi-linguagens e multi-disciplinar, as experiências digitais permitem criar simulacros que envolvam diferentes sentidos humanos. Desde a visão, onde temos ambientes 3Ds ou mesmo ambientes 2Ds metaforizados (a velha metáfora dos móveis de um escritório para a organização de arquivos dentro de um computador), passando pela audição (áudio 3D, multi-canais) e pelo tato (experiências touch screen, feedback tátil, celulares e controles de videogame que vibram); cada vez mais os artifícios das mídias digitais permitem transportar uma realidade adaptada para os ambientes interativos. Claro, mantidas as devidas limitações tecnológicas dos aparelhos, limitações econômicas de acesso a eles ou limitadores sociais, como a exclusão digital. O importante é criar experiências cognitivas que sejam facilmente assimiladas pelos usuários e os tragam uma experiência agradável de interação com o ambiente digital.

Alguns links:
- Realidade aumentada: http://vimeo.com/5651466
- Ambiente 3D: http://www.hondanewfit.com.br/#/experiencia
- Serviços que interligam diferentes plataformas: http://www.apple.com/mobileme/
- Usuários recriando espaços 3D da vida real: http://sketchup.google.com/3dwh/buildingmaker.html

Personagens
Eugênio Diggio, sociólogo graduado em Ciências Sociais pela Unicamp e mestre em Comunicação e Semiótica pela Universidade de Toronto, é quem faz a interface entre o GTDI (Grupo de Treinamento de Detetives Interativos, nome dado ao grupo de sociólogos) e os possíveis candidatos à vaga de detetive internacional. É ele quem administra a publicação de conteúdo nos diferentes sites que serão utilizados ao longo do jogo.
Outros participantes do GTDI: Maria Clara Siqueira, Eduardo Ribas e Dionísio Brandão.

Ambientes
- Blog do GTDI
Utilizando uma ferramenta online de publicação de conteúdo, o Blog do GTDI é o ponto de partida para o desafio. Foi criado especificamente para o projeto e é nele que as instruções iniciais estão publicadas. Quem assina os posts é Eugênio Diggio, o interlocutor entre o grupo e os possíveis participantes. Nele encontram-se algumas informações sobre o projeto, sobre o FBI e sobre o grupo, além de algumas reflexões sobre o poder das mídias sociais e como ela pode ser utilizada para publicar informações ultra-secretas.

- Twitter do GTDI
É o segundo ambiente de contato dos participantes. Só será descoberto pelos participantes que conseguirem resolver o primeiro enigma proposto no Blog do GTDI. Conterá alguns microposts que darão algumas dicas para que os participantes consigam chegar até o Flickr do GTDI, o próximo passo do desafio.

- Flickr do GTDI
Conterá algumas fotos que, à primeira vista, serão aleatórias e sem conexão entre si. No entando, o participante mais atento conseguirá encontrar ali as dicas necessárias para conhecer a URL do primeiro vídeo do YouTube e prosseguir no desafio.

- YouTube
Serão publicados alguns vídeos, em perfis diferentes de publicador, que possuem links entre si e que permitirão que os participantes participem da última etapa do jogo interativo. Algumas decisões devem ser tomadas pelos participantes, e somente quem escolher o caminho certo chegará ao vídeo final, congratulando os vitoriosos e informando o endereço de e-mail do FBI, onde as negociações sobre a vaga serão concluídas.

Argumento
Um grupo de sociólogos brasileiros deseja investigar o poder de propagação das redes sociais e a habilidade das pessoas em lidar com a informação publicada nesses meios. Para isso, criaram uma espécie de jogo interativo onde as pistas são reveladas aos poucos nos diferentes sites que usamos diariamente: Blog, Twitter, Flickr e YouTube. O grupo, auto-intitulado GTDI (Grupo de Treinamento de Detetives Interativos), promete como recompensa uma vaga de detetive no FBI, a polícia secreta norte-americana. O objetivo do grupo é questionar o quanto as informações podem passar despercebidas nesses sites e como eles podem ser usados para transmitir mensagens secretas de espionagem internacional.

Ferramentas utilizadas
- WordPress
- Twitter
- Flickr
- YouTube
O desafio será lançado no Blog do GTDI e, a partir daí, as pistas estarão espalhadas em perfis secretos no Twitter, Flickr e YouTube. No Twitter, o conteúdo será publicado no formato de tweets. No Flickr, serão álbuns e fotos que contêm mensagens escondidas dentro delas ou dentro de suas tags. A última ferramenta será o YouTube, onde será utilizada a ferramenta de link entre vídeos para permitir a derivação de diferentes caminhos da narrativa.
A escolha das ferramentas se justifica pelo tema do game. A proposta de abordar a temática das redes sociais será suportada pela publicação do conteúdo do jogo nas próprias redes, numa metalinguagem interativa que permitirá diversos “finais” e caminhos.

Objetivo do Trabalho
O objetivo do trabalho é verificar a audácia das pessoas em investigar informações nessas redes e o nível de envolvimento que a curiosidade humana permite durante o processo investigativo. Além disso, explorar a narrativa em diversos formatos: texto, microtexto, foto e vídeo, para aplicar os conceitos vistos em aula.

Ultra-nature, de Miguel Chevalier, México, 2008.

Tive a oportunidade de visitar a instalação na exposição Emoção Art.ficial, no Itau Cultural, aqui em São Paulo. Trata-se de um grande telão onde são projetadas representações de plantas e flores vetoriais que reagem de acordo com a presença do público.

Uma câmera capta o movimento das pessoas que passam em frente à obra e envia as informações a um computador, que as processa e manipula as imagens exibidas, simulando a reação das plantas aos movimentos dos visitantes.

As cores das projeções também são baseadas nas cores das roupas das pessoas, enriquecendo a experiência visual da instalação.

É interessante que as plantas por si só já realizam movimentos aleatórios, como se estivessem reagindo às interferências da própria natureza (vento, ruídos, insetos). Mas somente com a ação dos interatores é que a reação se intensifica, reforçando a ideia de ecossistema que a sala tenta simular. A obra passa a fazer muito mais sentido com a ação das pessoas, o que a caracteriza como obra interativa.

O artista possui diversas outras obras com caráter interativo, que já foram expostas em várias cidades diferentes em todo o mundo. O trabalho completo de Miguel Chevalier pode ser visto em seu site: http://www.miguel-chevalier.com/site/pages/sommaire_en/somm.htm

Fiquei bastante interessado no assunto, e visitei alguns sites e trabalhos de artistas que lidam com a questão. A bioarte nos faz questionar alguns pontos bastante polêmicos sobre tecnologia e sobre o comportamento humano. Vivemos em uma sociedade bombardeada por padrões estéticos de beleza e saúde e estamos, em nossa maioria, sempre preocupados em pertencer a alguns desses padrões. A tecnologia possibilita intervenções em nosso corpo (cirúrgicas, cosméticas, químicas) em busca de modificações não-naturais em nossa aparência. Até que ponto esse tipo de interferência é saudável?

Além das questões estéticas, há a questão dos limites humanos que vão sendo superados a cada dia com o apoio de novas tecnologias. Fiquei imaginando como seria o texto do Manifesto Ciborgue, de Donna Haraway, caso fosse escrito hoje, na era mobile. Um dos argumentos do Manifesto é que simples aparelhos, como os óculos, são mecanismos tecnológicos que visam ampliar a capacidade natural do ser humano. Dessa forma, e de muitas outras, a tecnologia vem modificando a forma como o homem lida com sua natureza. Já não temos os mesmos instintos de outrora, já que muitas de nossas habilidades são dependentes de tais aparelhos.

Podemos considerar esse tipo de evolução uma evolução natural do ser humano? De certa forma, todas as evoluções da humanidade (inclusive tais aparatos tecnológicos) só são possíveis pela materialização da própria inteligência humana, habilidade natural da espécie. Será que atingimos tal ponto de maturidade biológica que passaremos a evoluir apenas tecnologicamente?

A arte, nesse, ponto, é um eloquente questionador dessa realidade. Dentre as obras de arte vistas em aula, percebi que em muitas delas o principal objetivo é o exercício reflexivo do quanto a tecnologia está influenciando nosso comportamento, hábito e rotina. Estamos nos transformando no que Lucia Santaella chama de seres “biocibernéticos” (Cultura tecnológica & corpo biocibernético):

“A consciência de um novo estatuto do corpo humano, que se ramifica crescentemente em variados sistemas de extensões tecnológicas, foi gradativamente emergindo até adquirir uma forma de expressão em atributos similares a este que escolhi empregar: ‘biocibernético’.”

Segundo a autora, a própria criação dos signos é um sintoma da evolução do neo-córtex humano, que passa a exigir um equilíbrio não apenas físico, mas psíquico dos seres da espécie. Ela chama essa nova era de “pós-biológica”, fazendo referência ao momento em que paramos de evoluir (ou ao menos de notar) biologicamente e passamos a construir outro tipo de evolução.

“Neste século, mais acentuadamente neste final de século, quando nossos corpos atingem um nível de plasticidade extrema e de dissolução de suas fronteiras físicas, sensíveis, cognitivas, não é de se estranhar que o corpo tenha se tornado o grande tema, foco, representação, objeto performático e objeto simulado das artes.”

Estou lendo mais sobre o assunto, mas confesso que fiquei bastante tempo refletindo sobre ele e sobre como será a realidade humana daqui a algumas décadas. E o principal: como será sua manifestação artística. Se continuarmos evoluindo enquanto seres pós-biológicos, imagino que o corpóreo ainda será assunto de manifestações artísticas por muitos e muitos anos.

Narrativa descontínua
É a narrativa que obedece uma sequência nem sempre lógica de acontecimentos, ou quando a lógica está desassociada de uma compreensão convencional.

A página inicial do Twitter é o grande expoente de narrativa descontínua da atualidade. Você vê os posts de pessoas diferentes ordenados por critério temporal, mas sem ligação entre eles. Pessoas diferentes, falando de assuntos diferentes. São fragmentos de informação que, no todo, mapeiam as ações e pensamentos dessas pessoas com o passar do tempo, mas que quando transportadas para a home do site criam um verdadeiro caos narrativo. No entanto, quando analisamos o perfil de um usuário individualmente, percebemos uma narrativa algumas vezes contínua, que obedece uma ordem lógica de raciocínio, espaço ou tempo.

Narrativa paralela
É a narrativa de várias histórias que acontecem simultaneamente em um mesmo espaço, cabendo ao espectador determinar qual delas deseja acompanhar (ou em alguns casos, acompanhando mais de uma ao mesmo tempo).

A home de um portal de notícias é um bom exemplo. Nela, narrativas paralelas são contadas simultaneamente, congelando várias histórias diferentes em um determinado ponto no tempo. Vemos a última notícia sobre o assalto que aconteceu em um banco carioca e vemos última notícia sobre a votação de uma lei no Congresso. Histórias sendo contadas em paralelo, em um mesmo espaço-pixel, dentro de um mesmo contexto de navegação.

Um outro exemplo que desenvolvi no último mês e que trata explicitamente de narrativas paralelas é o hotsite criado para a Nova Strada Cabine Dupla, da Fiat. Nele, 4 histórias paralelas são narradas ao mesmo tempo, cruzando-se em determinados momentos.
http://www.novastrada.com.br/cabinedupla/

Narrativa por profundidade de campo
É aquela narrativa que se apropria da metáfora do espaço para trazer o espectador para “dentro” da obra. Nos ambientes digitais, a metáfora do espaço pode ser apresentada de várias formas.

Os jogos são bons exemplos desse tipo de narrativa. Entendo que, apesar do nome “profundidade de campo”, esse tipo de narrativa é válida para ambientes tridimensionais ou bidimensionais, como no caso de Samorost, um jogo interativo que vimos recentemente em aula: http://amanita-design.net/samorost-1/

Em alguns casos a narrativa requer uma experiência mais imersiva, criando um espaço tridimensional para os acontecimentos. Alguns exemplos:
http://www.hondanewfit.com.br/#/experiencia
http://www.vrmag.org/

Nível 1 – Horizontal
Links que atuam em linearidade, onde uma ação corresponde a uma ordem simples dentro do funcionamento do sistema.
Exemplo:
Botão de play/pause de um player de vídeo. Independente do estado do sistema, esse botão realiza sempre a mesma ação: iniciar/pausar o vídeo no exato ponto onde ele está.

Nível 2 – Não-linear
Links que atuam fora de linearidade, onde uma ação corresponde a uma ordem mais detalhada dentro do funcionamento do sistema.
Exemplo:
Pular para determinado ponto do vídeo em um player. Ao realizar esta ação, você está fugindo da linearidade proposta pela timeline e indo direto a um ponto específico da narrativa.

Nível 3 – Níveis de aprofundamento
Links que atuam modificando o padrão narrativo, onde a ação cria novas possibilidades de ações e novas linhas narrativas dentro do sistema.
Exemplo:
Em um game, determinada ação pode desencadear uma mudança de roteiros a ativação de uma série de novas ações disponíveis. A narração depende dessa ação para acontecer, e é somente através dela que a narrativa se desenvolve.

“Uma das grandes colaborações da net-arte é criar trabalhos colaborativos, permitindo, dessa forma, romper com o conceito de gênio defendido no Romantismo.”

As plataformas das mídias interativas possibilitam criações e recriações artísticas nunca antes imaginadas; as ferramentas permitem que essas criações sejam facilitadas ao máximo e estejam acessíveis a cada vez mais pessoas. O que vemos, então, é uma avalanche de obras de arte sendo realizadas todos os dias, por pessoas dos mais diversos lugares. A internet torna-se também o grande museu para expor suas próprias obras e torná-las reprodutíveis em qualquer computador com acesso à www.

Um assunto que me interessa bastante são as obras de arte colaborativas onde várias pessoas contribuem para a composição da peça. Deparo-me diariamente com pelo menos uma delas, incluindo algumas iniciativas publicitárias de apropriação do conceito.

Mas quando o conceito de genialidade do artista se perde, quem leva o mérito?

Muito bem lembrado o exemplo da Luciana do Mil Casmurros, projeto colaborativo onde as pessoas enviavam narrações de trechos de Dom Casmurro e, apoiadas pelo aparato técnico do site, ajudavam a construir, facilmente, uma obra riquíssima, plural e inovadora. Ou mesmo iniciativas mais passionais, como o site Eternal Moonwalk, onde as pessoas enviam vídeos fazendo moonwalk e criam uma “dança infinita” na web, apoiados pela trilha sonora da música de Michael Jackson e intervenções em áudio de suas famosas interjeições vocais. Neste caso vemos o conceito de autoria fragmentado entre o artista “idealizador” e o artista “colaborador”, convivendo em uma relação simbiótica de confiança. O autor idealizador confia no crowdsourcing e no poder coletivo e espontâneo de criação de conteúdo, enquanto o colaborador confia em seu conteúdo e na iniciativa coletiva para a conclusão do projeto.

Trago ao fórum um outro tipo de arte colaborativa, um pouco diferente dos dois exemplos citados, onde as pessoas são involuntárias na composição da obra. O site Twistori, por exemplo, promove um apanhado instantâneo dos sentimentos humanos no ambiente virtual através de posts que as pessoas publicam no Twitter. Nesse caso, pode-se atribuir a genialidade ao desenvolvedor do site, apesar do conteúdo todo ter sido escrito por milhares de pessoas que talvez nem saibam da existência do projeto. O novo sistema de “tornar público” permitido pelas novas mídias (neste caso, pela ferramenta de microblogging) traz uma nova visão sobre propriedade intelectual e autoria.

PERSONAGENS
O Cravo – Flor da espécie Cravo, usa sempre uma gravata preta e possui olhos pequenos e unidos.
Referência: http://images.google.com.br/images?hl=pt-BR&safe=off&q=cravo&um=1&ie=UTF-8&sa=N&tab=wi

A Rosa – Flor da espécie Rosa, usa um vestido rosado e possui grandes olhos negros.
Referência: http://images.google.com.br/images?hl=pt-BR&safe=off&um=1&sa=1&q=rosa&btnG=Pesquisar+imagens&aq=&oq=ro

REFERÊNCIA VISUAL PARA A PRODUÇÃO:

http://cersibon.interbarney.com/

Seria interessante utilizar essa linguagem visual desconstruída, despreocupada, quase infantil.
O fundo do cenário é sempre branco, com o mínimo possível de elementos decorativos.

ROTEIRO

TELA 1 – O Cravo brigou com a Rosa debaixo de uma sacada
Descrição da cena:
Os dois personagens, o Cravo e a Rosa, estão debaixo de uma sacada – o Cravo à esquerda e a rosa à direita. Eles discutem um com o outro, enquanto balões de fala com palavras irreconhecíveis saem de suas bocas. Nota-se a expressão de raiva nos dois personagens.

Legenda:
1. “O Cravo brigou com a Rosa debaixo de uma sacada” – aparece abaixo da cena, centralizada.

Links:
1. A legenda 1 possui um link que leva à TELA 2.

TELA 2 – O Cravo saiu ferido e a Rosa despedaçada
Descrição da cena:
O Cravo está à esquerda, ferido e entristecido. A Rosa está à direita, despedaçada e chorando bastante. A distância entre eles é notavelmente maior do que na TELA 1. Entre os dois personagens, bem no centro da tela, há uma rachadura que os separa.

Legenda:
1. “O Cravo saiu ferido” – aparece à esquerda, abaixo do Cravo.
2. “e a Rosa despedaçada” – aparede à direita, abaixo da Rosa.

Links:
1. A legenda 1 possui um link que leva à TELA 3.
2. A legenda 2 possui um link que leva à TELA 4.

TELA 3 – O Cravo ficou doente
Descrição da cena:
O Cravo está sozinho em sua casa, entristecido pela discussão com a Rosa e com uma aparência doentia.

Legenda:
1. “O Cravo ficou doente”.

Links:
1. A legenda 1 possui link para a TELA 5.

TELA 4 – A Rosa despedaçada
Descrição da cena:
A Rosa está em sua casa, entristecida pela recente briga com o Cravo. Ela aparece à direita da tela, com um olhar triste e cabisbaixo.

Legenda:
1. “(A Rosa está despedaçada)” – aparece centralizada, abaixo da cena.
2. “Ela bate à porta do Cravo?” – aparece centralizada, abaixo da legenda 1.
3. “Sim”
4. “Não” – essas duas legendas aparecem centralizadas, uma ao lado da outra, abaixo da legenda 2.

Links:
1. A legenda 3 possui link para a TELA 5.
2. A legenda 4 possui link para a TELA 6.

TELA 5 – A Rosa bate à porta do Cravo
Descrição da cena:
O Cravo está em sua casa, à esquerda, e percebe que há alguém batendo à sua porta. É a Rosa, que aparece à direita da cena, arrependida. Há uma parede que separa os dois personagens.

Legenda:
1. “(A Rosa bate à porta do Cravo)” – aparece centralizada, abaixo da cena.
2. “Ele atende?” – aparece centralizada, abaixo da legenda 1.
3. “Sim”
4. “Não” – essas duas opções aparecem centralizadas, abaixo da legenda 2.

Links:
1. A legenda 3 possui um link para a TELA 8.
2. A legenda 4 possui um link para a TELA 9.

TELA 6 – A Rosa abandona o cravo
Descrição da cena:
A Rosa está em sua casa, sentada em sua poltrona, fumando um cigarro e assistindo televisão.

Legenda:
1. “A Rosa abandona o cravo e vive solitária o resto de sua vida” – aparece centralizada, abaixo da cena.
2. “FIM” – aparece centralizada, abaixo da legenda 1.
3. “(Você acabou com a cantiga, não percebeu?) – aparece centralizada, abaixo da legenda 2.
4. “Ver novamente” – aparece centralizada, abaixo da legenda 3.
5. “< Voltar atrás na rude decisão” – aparece centralizada, abaixo da legenda 4.

Links:
1. A legenda 4 possui um link para a TELA 1.
2. A legenda 5 possui um link para a TELA 4.

TELA 7 – O Cravo atende à Rosa
Descrição da cena:
O Cravo abriu a porta para a Rosa. O Cravo continua à esquerda, com um olhar bastante assustado, e a Rosa continua à direita, com um olhar arrependido. Os personagens estão mais próximos que na TELA 5.

Legenda:
1. “(O Cravo atende à Rosa e a cantiga, enfim, continua)”

Links:
1. A legenda 1 possui link para a TELA 9.

TELA 8 – O Cravo deixou a Rosa plantada
Descrição da cena:
O Cravo está em sua casa, sozinho, à esquerda, sentado em sua poltrona e assistindo televisão. A Rosa está sentada à direita, do lado de fora da casa, chorando. Há uma parede que separa os dois personagens.

Legenda:
1. “O Cravo deixou a Rosa plantada” – aparece centralizada, abaixo da cena.
2. “(Você acabou com a cantiga, não percebeu?)” – aparece centralizada, abaixo da legenda 1.
3. “Ver novamente” – aparece centralizada, abaixo da legenda 2.
4. “< Voltar atrás na rude decisão” – aparece centralizada, abaixo da legenda 3.

Links:
1. A legenda 3 possui link para a TELA 1.
2. A legenda 4 possui link para a TELA 5.

TELA 9 – O Cravo teve um desmaio e a Rosa pôs-se a chorar
Descrição da cena:
O Cravo está desmaiado no centro da tela e a Rosa está logo ao lado, acariciando o Cravo e chorando.

Legenda:
1. “O Cravo teve um desmaio e a Rosa pôs-se a chorar” – aparece centralizada, abaixo da cena.
2. FIM – aparece centralizada, abaixo da legenda 1.
3. (Aplausos)
4. Ver novamente – aparece centralizada, abaixo da legenda 2.

Links:
1. A legenda 4 possui link para a TELA 1.

ESQUEMA VISUAL

Música: Devotchka – How it ends

Lexia-lexia bidirecional
Semelhante à ligação unidirecional, mas com a possibilidade do usuário voltar ao link de origem. Muito utilizados em sistemas de navegação.
Exemplos: botão “próximo passo” em um formulário, breadcrumb trails em sites de e-commerce.

Linha-linha
Leva o leitor de um ponto específico de um texto a outro ponto específico de outro texto. Permite maior assertividade no link e facilita o entendimento do termo linkado.
Um exemplo: links com âncora para determinado trecho de um texto.

Conexão um-a-vários
Leva o leitor de um ponto a um ou mais pontos dentro de outros hipertextos. Deve ser utilizado com cuidado, para que não cause a impressão de complexidade em demasia.
Exemplos: menus, submenus, links com múltiplas opções.

Conexão vários-a-um
Diversos pontos em diversos textos que levam a um mesmo local. Muito utilizado na maioria dos sites que vemos hoje, onde um assunto é referenciado várias vezes em diferentes pontos.
Exemplos: glossários, páginas de ajuda no rodapé de um site, explicações sobre o frete em uma loja virtual.

Personalizada
O link tem um relacionamento específico com o conteúdo ao qual ele leva (autoria, fonte, download, visualização, ampliação de imagem).
Exemplos: link para rankear um conteúdo, link para ampliar uma imagem.

Fonte: GOSCIOLA, Vicente – ROTEIRO PARA AS NOVAS MIDIAS: DO GAME A TV INTERATIVA (Senac, 2008)

Depois de passar pelo estudo de diferentes manifestações artísticas, em diversos meios, e chegar à vídeo-arte, fica visível a mudança de paradigmas que acompanhou sua propagação ao redor do mundo. Ela possibilitou uma nova visão do fazer artístico, agora munido de recursos multimídia para ser realizado. A expressão do autor da obra pode ser explorada por uma multiplicidade de métodos, formas, técnicas e recursos tecnológicos que, combinados, exponencializam a variedade da obra de arte.

A mudança foi percebida tão grandiosamente porque era a primeira vez que visão e audição eram somadas à sensibilidade humana com tantos fatores técnicos a seu favor.

Em uma instalação com vídeo, por exemplo, os recursos multimídia permitem maior ambientação do espectador, novos experimentos sinestésicos (já que este tipo de arte atinge um número maior de sentidos humanos simultaneamente), maior riqueza visual e maior liberdade de roteiro.

Interessante observar que, mesmo passadas muitas décadas após o advento deste tipo de arte, sinto que ela ainda não foi esgotada. Novos recursos tecnológicos (e interativos) vão somando força e multiplicidade à vídeo-arte e consolidando-a como uma das mais inovadoras formas de arte da atualidade. Estudei, durante a semana, o trabalho de Bill Viola, que me impressionou bastante pelo visual – simples, intenso e humano. No fim de semana, assisti à mais recente obra de Lars Von Trier, O Anticristo, e vi um recurso semelhante sendo usado logo nas primeiras cenas do filme – mas agora com outros recursos tecnológicos, outra aparência, outro contexto. Cada dia mais a video-arte se renova e se torna infinita.

Só acho importante tomarmos cuidado com alguns conceitos. Em algumas obras, a participação dos “novos espectadores” não fazem deles necessariamente co-autores da obra. Por exemplo em um filme interativo, onde há a participação do interator na decisão da ordem em que as cenas serão exibidas, ele nem sempre acrescenta algo ao produto. O que ele cria é uma outra instância da mesma obra, que na maioria das vezes já foi prevista pelo autor. Proponho, nesses caso, nos referirmos ao participante como “ator” e não como “autor” ou “co-autor”.

Mas voltando ao assunto inicial, também parei para pensar um pouco no conceito de “direitos autorais” e no quanto ele se torna obsoleto quando lidamos com um ambiente tão dinâmico quanto a internet. Ao contrário do que acontecia no século passado, o interator é um participante ativo na construção e adaptação da obra de arte. A obra chega a ser reconstruída e adaptada tantas vezes e em escala tão geometricamente progressiva, que perde-se o controle sobre a autoria e, muitas vezes, a referência da obra original. É nesse cenário que foram criadas as licenças Creative Commons, por exemplo, que acreditam no uso da obra original como base para a produção de muitas outras variantes.

Atualmente estou envolvido em um projeto que utiliza essas licenças para criar (não uma obra de arte, mas) um carro colaborativo para a Fiat e para qualquer outra montadora que queira usar o conhecimento coletivo no desenvolvimento de seu próprio carro. Vejo como isso é sintomático de uma época onde os conceitos de autoria vão, aos poucos, sendo revisitados. http://fiatmio.cc

O visual do game é bastante interessante. Cria-se um cenário lúdico, inexplicável à primeira vista, tentando fazer o usuário imergir no mundo pouco comum criado por seus idealizadores. Os personagens, apesar de exóticos, têm comportamentos semelhantes ao de homens e animais, tornando a lógica toda um pouco mais previsível – talvez uma tentativa de aumentar a jogabilidade e facilitar o entendimento das ações a serem tomadas.

O som é uma importante ferramenta para climatizar o jogo. Muitos games subutilizam o potencial dos feedbacks sonoros, mas não é o caso de Samorost. A existência desse tipo de efeito sonoro ajuda o usuário a perceber que seus cliques foram realmente efetivos e incitaram uma reação dentro da interface.

Comecei a pensar sobre a roteirização do game, e como os produtores trabalharam para pensar a história que ocorre ali dentro. “A história” não, “as histórias”. São várias histórias que se cruzam, e é justamente essa a lógica do game: fazer as histórias se cruzarem no momento exato, para que outros acontecimentos ainda desconhecidos venham à tona. Apesar disso o roteiro é controlado, pois há, na maoria das telas, apenas uma forma de prosseguir para a próxima etapa do jogo.

Sadismos à parte, adorei os comentários da Chris e da Luciana dizendo que não conseguiram completar o jogo. Luciana diz algo bacana, que vale a pena replicar aqui:

Talvez eu não seja o público alvo, talvez seja uma usuária muito mal acostumada. Preciso de mais informações, os passos não são claros o suficiente para mim. Provavelmente meu perfil seja demasiadamente lógico e ter que ir atrás dos elementos clicáveis, para executá-los e a ação desses não desencadear qualquer reação me frustra.

Uma coisa que aprendi durante anos de trabalho como arquiteto de informação e designer de interação foi: o usuário nunca está errado (talvez uma variante da máxima “o cliente sempre tem razão”). Ponho aqui a seguinte reflexão: será que um jogo como esses tem realmente um perfil de público específico, ou será que não são os problemas de jogabilidade que acabam restringindo a experiência para um determinado grupo de pessoas (talvez aqueles que tenham experiência com PS2, Wii e outros consoles, como citou a Chris em sua réplica)?

Muitos jogos que vejo pela internet contam com algumas artimanhas para tentar abranger o maior número de jogadores possível: pré-seleção do nível de dificuldade (easy, medium, hard), seção ajuda, tutorial na primeira fase do jogo, ajudas contextuais que aparecem quando o jogo entende que o usuário está tendo dificuldades etc. Tudo vai da estratégia da criação do game: estamos projetando o jogo para um público heavy user de games, ou o estamos desenhando para os usuários da 3ª idade que citou Carolina?

Excelente exercício. O link do game: Samorost